Op-Art – Ilusão e Inclusão

A Op-Art surgiu na Europa na década de 1950. Herdeira do Concretismo ela partia do rigor geométrico, mas queria o abandono do caráter fechado e estático das obras tradicionais, propondo a inclusão do espectador e oferecendo a ele um conjunto de experiências sensoriais.

Os marcos da inserção da nova arte foram a exposição Le mouvement, realizada pela Galeria Denise René, em 1955, com obras de Agam, Soto e Vasarely, entre outros; o grupo GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel), capitaneado por Le Parc, em 1963; e a mostra The Responsive Eye, organizada pelo Museu de Arte Moderna de Nova York, em 1965, reunindo artistas de vários países.

As principais características dessa vertente artística são a repetição de formas simples, a contraposição de cores e a ambiguidade entre fundo e primeiro plano. A exata utilização desses elementos cria a sensação de movimento e profundidade, evocando um espaço tridimensional que não existe, mas parece tornar-se real. É uma ilusão ótica, daí o nome Optical Art, logo abreviado para Op-Art. Aprofundando ainda mais a inclusão do observador, surge, na sequência, a Arte Cinética, na qual o movimento virtual torna-se real. Através do uso de recursos mecânicos ou da manipulação das obras o visitante sai da condição de espectador e se torna ator.

Reunindo artistas pioneiros como Le Parc, Soto, Cruz-Diez, Vasarely, Agam, Perez-Flores e Palatnik, e outros que trabalham até hoje, como Toyota, Geszti e Margulis, a exposição aqui apresentada, vem reiterar  o papel fundamental da Op-Art no processo que levou a pintura a sair do quadro, instaurando uma nova forma de pensar a arte. Uma vertente que continua viva, vibrante e envolvente!

Boa experiência!

Denise Mattar

Curadora

Quimeras – 100 anos de Surrealismo

No centenário do surrealismo, a Galeria Espaço Arte MM celebra o movimento artístico liderado pelo francês André Breton em 1924. Nesta mostra – um recorte do seu acervo – não estamos falando apenas sobre o surrealismo histórico, mas, principalmente, daquilo que lhe dá sentidos no aqui e agora, 100 anos depois. Uma rebelião que carrega consigo características do romantismo do século 19 – como a legitimação da natureza poética e o chamamento ao manancial da imaginação, do inconsciente na vida – mas que também possibilita fricções com o conservadorismo e seus derivados. Um movimento que ecoa até hoje com o propósito emancipador não só do corpo, mas também do espírito.

A galeria tem se consolidado como uma referência no circuito artístico brasileiro há mais de 20 anos. Desde 2001, quando inaugurou em Higienópolis, em São Paulo, a Galeria Espaço Arte MM ampliou e diversificou seu acervo e artistas representados. Muitos deles nomes consagrados no Brasil e no mundo com uma seleção de trabalhos de relevância histórica e cultural. Esta é a última mostra no atual local que ocupa, visto que em 2025 a galeria muda para um novo espaço muito maior e que vai inaugurar um outro capítulo na sua história.

São 18 artistas e 54 obras entre pinturas, gravuras, desenhos, esculturas e fotografia. Nomes fundamentais da arte brasileira como Flávio de Carvalho (1899-1973), e da arte internacional como o cubano Wifredo Lam (1902-1982). Destaco aqui o alemão Walter Lewy (1905-1995), que imigra para o Brasil em 1938 e é fiel ao surrealismo até o fim da vida (ele dizia que o movimento não acabaria nunca porque “ele é o nosso cotidiano”). Um dos seus principais representantes no país, sua obra transcende o realismo mágico e abriga um imaginário no qual mistura de forma onírica objetos indefinidos com paisagens e plantas quiméricas que remetem à metafísica.

Assim como os artistas paulistas Octávio Ferreira de Araújo (1926-2015), que em sua produção reforça uma atmosfera de magia e mistério na qual é recorrente a presença da figura da mulher associada à animais e à natureza; Mário Gruber (1927-2011), que criou personagens que são amiúde apresentados como anjos e magos mascarados em obras que causam estranheza e também se relacionam à linguagem metafórica e a elementos ficcionais fantasiosos. E também Marcello Grassmann (1925–2013), um dos maiores gravuristas brasileiros, que em sua obra explora frequentemente fundamentos relacionados ao imaginário medieval e renascentista criando figuras como sereias, harpias; seres em parte humanos e em parte animais. Um universo de criaturas míticas.

Tendo como tema o centenário do surrealismo, a mostra coletiva se desdobra em artistas cuja produção tem o movimento como eixo, mas também apresenta outros que, a priori, não são diretamente associados ao tema, mas que de alguma forma – a meu ver – dialoga com ele, como Cildo Meireles, Inos Corradin, Leon Ferrari, Regina Silveira, Victor Brecheret e Vik Muniz.

O público certamente sentirá falta de mais artistas mulheres na coletiva. Mas não há como negar que o surrealismo foi um movimento eminentemente misógino, no qual as mulheres eram vistas como “modelos”, “musas” para as suas criações, sejam no campo das artes visuais quanto na literatura. Mas 100 anos depois essa objetificação cada vez mais tem sido desmistificada. Parafraseando uma frase que li há tempos (não lembro a autoria), o amanhã é sempre uma quimera, mas o hoje é uma eterna [ir]realidade.

Jurandy Valença, outubro de 2024.
Artista, curador e jornalista. Atualmente diretor da Biblioteca Mário de Andrade

A mostra itinerante que esteve em Curitiba, no MON – Museu Oscar Niemeyer, agora chega a São Paulo com abertura em 06/04, aqui na Galeria Espaço Arte MM: Juarez Machado – Volta ao Mundo em 80 Anos.

A carreira de Juarez Machado é marcada pela multiplicidade artística, com muita irreverência, humor e elegância. O artista catarinense dedicou-se à pintura, escultura, desenho, caricatura, mímica, design, cenografia, fotografia, literatura e atuação cênica. Possui obras em importantes coleções públicas e privadas, e já teve trabalhos leiloados pelas prestigiadas casas britânicas Sotheby’s e Christie’s.

A Galeria Espaço Arte MM apresenta exposição “Chromatique en série”, do artista cinético Dario Perez-Flores, exibindo pinturas e uma nova série de obras Com obras que nos inserem em um universo de cores e movimento, o venezuelano Dario Perez-Flores, mestre da arte cinética, apresenta pinturas das séries produzidas a partir do final da década 1980 e uma nova série de trabalhos, em metacrilato, que salientam um elemento tão presente nas produções do artista: a cromática. Com curadoria da Galeria Espaço Arte MM e texto crítico de Jacob Klintowitz.

O pintor Kazuo Wakabayashi completou, no dia 1º de maio de 2021, noventa anos de idade e oitenta de sua iniciação artística. Com efeito, ele nasceu em 1931 em Kobe, na província de Hyogo, no Japão, e recebeu seus primeiros ensinamentos de pintura na escola de primeiro grau, em cidade natal, em 1941. A data será comemorada com uma exposição de 27 pinturas do artista no Espaço Arte M. Mizrahi, à Rua Peixoto Gomide, 1757, Jardim Paulista, São Paulo. A mostra, que tem curadoria do crítico de arte Enock Sacramento, é coordenada por Ely Iutaka e produzida por Hiro Kai.
 
Quando emigrou para o Brasil, em 1961, com 30 anos de idade, Wakabayashi já era um artista profissional. Depois de participar de salões de arte no Japão e de ser premiado em alguns deles, Wakabayashi participou de várias mostras coletivas em seu país de origem. Realizou, em 1960, uma exposição solo na prestigiosa galeria K.C.C. e, no ano seguinte, outra mostra individual na importante Galeria Daimaru, ambas em Kobe. Na primeira, Wakabayashi conheceu Hikari Sakamoto, com quem se casou meses depois.
 
Wakabayashi aportou no Brasil, a bordo do America Maru, em Santos, com uma carta de apresentação do pintor Waichi Tsutaka, que participara anos antes da Bienal de São Paulo, dirigida a Manabu Mabe e Tomie Ohtake. Wakabayashi foi recebido pelos dois. Tornou-se próximo de Mabe que o apresentou a vários amigos da comunidade japonesa e a galeristas, contribuindo para seu processo de integração.
 
Quando Wakabayashi chegou ao Brasil, fazia uma pintura abstrata que foi de imediato aprovada por juris de salões e por galerias de arte do país. Na época, o abstracionismo informal estava em alta no Brasil. Em 1959, Manabu Mabe, pintor abstracionista, havia conquistado o prêmio de Melhor Pintor Nacional na V Bienal de São Paulo. A estrela de Wakabayashi subiu vertiginosamente. Participou de importantes coletivas e realizou numerosas exposições individuais no Brasil e no exterior. Em 1987, recebeu o Prêmio Itamarati na 9ª Bienal Internacional de São Paulo.
 
Dentro de sua pintura abstrata, nos anos 1960, destaca-se uma série de trabalhos que remetem à configuração de certas formações geológicas constituídas por uma única rocha que se eleva a partir de uma base. Para essa série, o curador da mostra, Enock Sacramento, no ensaio que escreveu para o catálogo da mostra, propõe o nome de Monólitos. Na década seguinte, ele investiu boa parte de seu tempo em pesquisas de textura e relevos. No final dos anos 1970, produziu trabalhos com textura espessa e de uma única cor. Elas constituem a série Monocromática do artista. Na década seguinte, todavia, começaram a aparecer em suas obras elementos da cultura tradicional do Japão.
 
A série japonesa subdivide-se em várias subséries: Temari, Kabuki, Kanzashi, Orizuru, Carpas, Piões. Nos últimos vinte anos, ele criou ainda trabalhos que podem ser reunidos em duas séries: Bananeiras e Parreiras. Wakabayashi, que parou de pintar há dois anos devido a problemas de saúde, declarou que, se voltasse a pintar, gostaria de retomar a abstração plena.
 
Sua obra, que demorava às vezes meses para ser concluída devido ao complexo processo que ele criou, reúne técnica elaborada e poética intensa. Para Enock Sacramento, “ele é, seguramente, uma das expressões mais altas da pintura nipo- brasileira, um mestre em seu ofício”..

Ao atingir 18 anos de trajetória, a Galeria promove mais um livro de acervo: “18 anos infinitamente comprometidos com a Arte”. Muitas foram as simbologias que incitaram a comemoração acerca desse numeral: a idade alude à maioridade e maturidade; na cultura judaica o número dezoito significa “Vida”; e o número oito, que remete ao símbolo do infinito. Atualmente acumulamos a realização de 18 exposições, 64 leilões, parcerias com artistas nacionais e internacionais, conservando nosso comprometimento e constante dedicação em prosseguir levando a Galeria, nossos artistas e clientes a patamares ainda mais elevados.

Yugo Mabe escolhe as cores luminosas da natureza brasileira para revelar o universo pictórico de suas telas. Não atua como mero contador de mitos, ou retratista de paisagens,mas um mestre que partilha percepções profundas dos cosmos cromáticos, desencadeando no público potentes vivências estéticas e sensíveis. Observa e transmuta a nível de supra realidade das percepções um mundo de refinada sensibilidade para além das aparências das coisas e dos seres, seus segredos, suas formas mais íntimas de ser.

Yuli Geszti, com suas ambivalências de volume e vazio, de equilíbrio fugaz a perder-se na instabilidade, nos arrasta em aventuras óticas vertiginosas que ocorrem em suas telas, lucidamente construídas.

Palestra de artes com Mayer Mizrahi, proprietário da Galeria Espaço Arte (São Paulo, Brasil), Bianca Cutait, assessora da Arte Fundamental Specialized Consultants (Miami, Estados Unidos), e Antonio Carlos Cavalcanti, Art Dealer, curador da Pinacoteca Benedito Calixto (Santos, Brasil).

Em parceria com a Art & Design Gallery, exibimos obras de artistas brasileiros contemporâneos em Miami.

O trabalho de Kazuo Wakabayashi passou por diversas transformações ao longo de sua trajetória. Deixando um cenário de pós-guerra no Japão, Wakabayashi desembarcou no vívido e colorido Brasil em 1961. Em sua terra natal já exercia o ofício de artista plástico e realizava obras com suas características texturas e colagens. Aqui no ocidente, o sensível olhar do artista captou novas cores, mais vibrantes, que adotou à sua arte. Na exposição “Estações” é possível apreciar a gradativa transformação da manifestação artística do nipo-brasileiro.

Comemoramos 13 anos de trajetória com uma exposição coletiva e com a edição de um novo livro de acervo. Nossos agradecimentos a todos os clientes, amigos colecionadores, artistas e parceiros que nos prestigiam diariamente e confiam em nosso trabalho.  

A força das cores de sete grandes nomes – José Roberto Aguilar, Luiz Áquila, Maciej Babinski, Antonio Helio Cabral, Ivald Granato, Antonio Peticov e Claudio Tozzi.

A arte inconfundível do pernambucano Romero Britto, uma verdadeira explosão de cores. “Pintando alegria e celabrando a vida”.

O encontro de três gerações de artista nipo-brasileiros.

A obra de Carlos Araujo remete ao Divino. Com grande sendibilidade e técnica, expressa figuras e cenas sagradas, como bençãos e maternidades, ou ainda passagens bíblicas que compõem o livro “Bíblia – Citações”. Seu trabalho está em diversas colecões nacionais e internacionais, com destaque ao acervo do Vaticano.

Em 2008 aconteceu o centenário da imigração japonesa no Brasil e em celebração, preparamos uma exposição de Kazuo Wakabayashi. O artista nipo-brasileiro, que chegou ao Brasil na década de 1960, representa a hibridização das culturas. A riqueza técnica oriental e a abundância cromática brasileira se encontram em seus trabalhos.  

A Galeria lança seu primeiro livro de acervo e celebra com uma exposição coletiva. 

Com uma exposição coletiva, lançamos um novo livro de acervo. 

LÁPIS DE COR

O acaso me instigou. A determinação me fez persistir.
Ah! Aqueles lápis de cor, na minha ingenuidade infantil….
As cores me inquietavam e fascinavam. O que fazer com elas? A busca é incessante.

Tive experiências com várias formas de expressão artísticas para dar vazão a essa habilidade que precisava ser burilada. Passei por várias fases desde o meu primeiro quadro até a retomada desse caminho há 20 anos.

Algumas pessoas entendem a pintura como magia, outras como obsessão, outras ainda, como mera expressão natural ou um caminho para exprimir a mais profunda emoção.
A pintura para mim é uma tentativa de se alcançar algo além do comum, para tocar alguma coisa mais transcendente em nós.

Quando se atinge esse objetivo a pintura parece conter aspectos mágicos, mas ela não é mágica, o fazer artístico é o que produz ilusão. É nessa ilusão que você pode aprisionar o olhar do espectador e conectar-se emocionalmente com ele.

Hoje me dou conta de que o meu fazer artístico é uma construção de espaços onde o grande desafio é colocar em evidência as formas as cores e a luz, para gerar essa ilusão.

Miriam Nigri Schreier

A artista surrelista Sônia Menna Barreto apresenta um série de obras em giclée.